Nuit sans aube

00:00 – 01:30
[MUSIQUE / EXTRAITS DE SPECTACLE]
Montage d’extraits de la production (captation montée), chant en allemand (spectacle donné en allemand au Staatsoper Berlin).
[AMBIANCES SCÉNIQUES]
Alternance possible de moments orchestraux, passages chantés, silences dramatiques et sons de scène selon le montage.

01:30 – 01:36
[TEXTE À L’ÉCRAN] Logo Opéra-Comique + site internet

Pour moi, la forêt est un lieu de nature, de liberté, d’écoute,
ce qui en fait un lieu de mystère, de mysticisme et de poésie.
La forêt est en fait une cathédrale naturelle, très complexe
dans toutes les sensations que nous lui associons.
Bien sûr, les contes de fées, mais aussi les histoires d'horreur,
la purification, le silence chargé d'énergie.
La forêt est un lieu spirituel.
Je pense que beaucoup de choses se sont réunies.
Une promenade dans les bois de la Forêt-Noire, il y a près de six ans.
Nous étions à Donauchingen pour le festival de musique avec l'Ensemble Intercontemporain,
j'avais une demi-journée de libre, je suis allé me promener dans la forêt
et tout à coup,
tant de souvenirs d'enfance me sont revenus à propos de ce conte de fées,
Le Cœur froid de Wilhelm Hof,
que j'avais déjà écouté des centaines de fois sur une cassette
quand j'avais 5 ou 6 ans, je crois.
Et tout à coup, tous ces mots que l'on associe au fait d'être dans la forêt,
me sont revenus à l’esprit
Soudain, des sons ont commencé à résonner en moi,
sachant que j’écrirais peut-être un opéra.
Nous nous sommes posé la question:
qu'est-ce qui rend l'opéra unique ?
Qu'est-ce que le drame musical peut exprimer
et que les séries télévisées ou Netflix ne peuvent pas ?
Ce sont les émotions et ce que la voix humaine peut transmettre.
Lorsque j'ai décidé d'écrire à nouveau un opéra,
ce qui était un grand pas,
je voulais absolument mettre l'accent sur les chanteurs
en tant qu'êtres humains exprimant leurs émotions.
Et en même temps,
il s'agit essentiellement du motif tiré du conte du Cœur Froid,
c'est-à-dire un échange de cœur,
où le cœur humain vivant` est remplacé par un cœur de pierre.
Je pense que si nous considérons le cœur comme une métaphore,
alors le cœur froid représente l'absence d'émotions et l'insensibilité,
et nous vivons déjà à une époque où nous sommes confrontés
à une certaine forme de cruauté
et pourquoi les gens sont peut-être prêts à vivre leurs émotions.
Je peux vraiment dire que cette pièce a été composée pour la Staatskapelle.
Le son de cet orchestre est caractérisé par une grande richesse de couleurs,
une musique spontanée,
une reconnaissance spontanée d'une situation musicale,
et cela avec une grande flexibilité
grâce à la vue d’ensemble dont dispose cet orchestre.
Et bien sûr, ce son ancien et sombre
et oui, c’est un son allemand que cet orchestre représente
et, pour moi, c'était peut-être aussi un retour dans l'espace germanophone.
Quelqu'un qui a quitté l'Allemagne à l'âge de 16 ou 17 ans
et qui a en fait toujours vécu dans une diaspora allemande,
j’ai vécu cela et tout à coup, tant de choses me sont revenues à l'esprit.
Je n'ai pas enregistré de texte en allemand depuis longtemps,
et donc là, la boucle est bouclée.
Avant d'en arriver à ce texte, j'avais déjà écrit beaucoup d'autres textes
avec un autre type de language.
Et j'ai toujours demandé à Matthias :
est-ce que cela déclenche quelque chose en toi, musicalement ?
Et Matthias à toujours dit : « Non, pas comme ça, pas comme ça. »
Et puis, à un moment donné, j’ai écrit ce texte,
après avoir vu une lune au-dessus de Heidelberg
au-dessus de la colline dans la forêt,
et puis, un langage romantique ancien m'est venu à l'esprit,
que j'aimais déjà utiliser dans mes écrits auparavant
mais qui est devenu encore plus personnel aujourd'hui.
C'est en quelque sorte ce qui a donné le coup d'envoi à l'esthétique de la pièce,
donc, en principe, j'ai trouvé l’esthétique dans le langage,
qui trouve ensuite son chemin vers la musique.
Ce que je trouve génial dans le langage de Daniel
mais aussi dans tout le processus de notre collaboration,
c'est que Daniel, qui est lui-même un musicien fantastique,
sait que la musique a besoin d'espace,
et il y a tout simplement ce ping-pong
auquel nous avons pu jouer pendant toute une année,
et pendant laquelle nous avons travaillé sur les paroles.
Cela a libéré tellement d'émotions
et j'ai trouvé que, pour la première fois de ma vie de compositeur,
je me rapprochais vraiment de ce que je voulais vraiment faire.
Un nouveau couple de rêve après Strauss et Hoffman.
Maintenant, nous sommes là.

Locuteur : James Darrah Black (metteur en scène)

En tant qu’œuvre, cela ne ressemble à aucun autre opéra que j’ai vu jusqu’à présent. C’est méditatif. C’est une œuvre qui parle de rupture, et de la question de savoir si nous voulons ou non conserver notre cœur humain.

Ce n’est pas une œuvre qui cherche à vous apaiser avec un récit linéaire. C’est quelque chose qui tient beaucoup plus à l’atmosphère, omniprésente, qui vous touche.

Et…

Matthias compose vraiment pour orchestre : des sons orchestraux parfois grandioses, des textures sonores, et des choses immenses, écrasantes. Mais il dispose aussi d’une plage dynamique très étendue, où les atmosphères donnent presque l’impression de s’infiltrer en vous, parce qu’elles sont sobres et correspondent exactement à ce que le moment semble exiger — en termes d’histoire — et cette sorte de fable sur cet homme et sa mère dans la forêt.

La pièce elle-même a été jouée en allemand, ce qui correspond à la version originale du livret. Et quand ils m’ont dit que le projet était de le traduire, cela m’a fasciné au plus haut point, car cela n’arrive pas souvent avec les premières mondiales.

Et j’ai pensé que, même en vivant à Los Angeles, nous recevons parfois des productions provenant d’autres villes, et je suis toujours un peu choqué par le fait que l’opéra peut être répétitif. On a l’impression que quelque chose se passe dans une ville pour ce public, et pour ce théâtre, et avec ce groupe de personnes. Et puis, la production est, en quelque sorte, mise en carton, expédiée quelque part, puis remontée. Et parfois ça marche, mais le plus souvent, je dirais que, pour moi, ça ne semble pas fonctionner.

Je ne sais pas si j’ai déjà envoyé une production en tournée sans moi, et je pense que cela tient en partie au fait d’avoir l’impression qu’ici, cette idée que la version que nous avons réalisée à Berlin allait évoluer, en temps réel, en quelque sorte, et pouvait peut-être permettre une évolution dans la réalisation.

J’avais le besoin de le sentir différemment, de le sentir plus français, et j’avais besoin de sentir que cela me laissait de l’espace pour respirer et changer. Je n’avais jamais connu quelque chose comme ça.

Je pense que, le plus souvent, une œuvre, même si elle a pris vie, existe, en quelque sorte, dans les limites de ce qu’elle est, ou devient codifiée par l’industrie comme existant en tant qu’œuvre. Comme, bien sûr, Breaking the Waves, ou quelque chose qui a du succès. Et, vous voyez, d’autres personnes font de nouvelles productions, ou autre.

Je pense qu’avec ce projet, j’ai senti que j’avais l’occasion de faire une première mondiale et de monter immédiatement une nouvelle production.

Je suis quelqu’un qui, parfois, ne supporte vraiment pas ce que je veux que le public retienne. Je ne supporte pas les notes d’intention, ou, disons, le fait de prescrire des choses au public.

Je pense qu’ici, j’aimerais que le public réalise qu’ils se sont inscrits à quelque chose qui concerne les univers sonores et les ambiances omniprésentes, presque comme remplir un espace de brouillard, laisser cela obscurcir votre vision, et devoir choisir quelque chose.

C’est un voyage différent. Ce n’est pas un récit linéaire au sens propre du terme.

Il y a une narration, et il se passe certainement des choses, mais cela nécessite en fait un certain niveau d’attention, la conscience de soi, ainsi que la capacité à trouver cela méditatif.

Je trouve cela toujours aussi vaste et expansif. Et je trouve cela fascinant que le public puisse repartir en y réfléchissant, ou en ressentant quelque chose qu’il n’arrive pas vraiment à définir. Ils ne parviennent pas à le définir clairement.

Alors j’ai l’impression que la bête a fait son travail.

Je pense que cela ouvre des perspectives, des perspectives que nous ne pouvons peut-être pas tout à fait exprimer clairement.

L'Opéra Comique présente l'instant drama, un
podcast signé Agnest Terrier.
Un compte moral du 19e siècle traduit
dans un langage contemporain et onrique
complété d'une fin ouverte afin de
devenir propice à toutes les
interprétations. un protagoniste
masculin entouré de voix féminines,
chantantes ou parlantes, qui endos des
personnages de tout type, y compris
masculins, nous libérant ainsi des
récits traditionnels et des figures
stéréotypées. 12 scènes, quatre
interludorchestraux et une mise en scène
et en vidéo conçu au plus près de la
partition et en conivance avec les sept
interprètes pour un spectacle total joué
sans entracte.
se présente nuit sans le 4e opéra de
Mathias Pincher que lui ont
conjointement commandé Daniel Barenbum
pour le stader Hunter Lyndon Berlin et
Louis Langré pour le théâtre national de
l'opéra comique. La création berlinoise
a eu lieu le 11 janvier 2026 sous le
titre d'ascalte Herz. La création
parisienne se tient dans notre salle
Favard exactement deux mois plus tard,
le 11 mars 2026 sous le titre que le
projet revêtait à l'origine. Fait
particulier, nuit sans se présente
d'emblé avec deux versions allemande et
française. Leur texte signé Daniel
Arcadi Gzenberg diffèrent légèrement
afin d'éviter aux compositeurs des
modifications musicales délicates en
fonction des deux prosodies.
De fait, une seule mesure change d'une
partition à l'autre.
Par conséquent, le spectacle mis en
scène par James Dara Black est
interprété par deux distributions
vocales différentes à l'exception de
Katharina Bradit qui incarne la mer sur
les deux scènes. À la baguette, le
compositeur lui-même dirige l'orchestre
philharmonique de Radiofance après
l'orchestre de la Stad Scapelle Berlin
en janvier dernier.
Issu du recueil de compte l'auberge du
spéart dont le jeune auteur Wilhelm Hauf
est mort la même année que Behoven en
1827, le récit le cœur froid, le cœur de
pierre dans sa traduction française a
nourri l'imaginaire de bien des enfants
allemands. En témoigne quatre
adaptations lyriques créées de 1885 à
1988 avant celle de Mathias Pincher qui
est né en 1971.
En, lors d'une randonnée en forêt noire
entre deux répétitions au festival de
Dodaushing, le compositeur chef
d'orchestre s'est souvenu de ses
émotions d'enfant. Il a alors imaginé de
transposer ce compte à l'opéra afin de
renouer avec sa culture et sa langue
natale. Il réside en effet depuis des
années à New York après une décennie
d'activité parisienne à la tête de
l'ensemble intercontemporain.
Sa rencontre avec le poète et pianiste
Daniel Arcadi Gertzenberg lui a offert
l'opportunité d'élaborer un texte
original. Ce livret est le fruit de 2
ans d'échange qu'on complété trois
studieux été de composition.
De la forêt noire du compte originel
demeure une atmosphère onirrique propice
à l'enchaînement des séquences et à la
métamorphose des personnages qui entoure
le protagoniste Peter. Dans le compte,
Peter est un garçon frustré et envieux
qui, insensible à la protection que lui
offre un lutin, pactise avec un démon et
échange son cœur contre une pierre
froide afin de s'enrichir, perdant alors
sa mère puis sa fiancée par
insensibilité avant de s'engager dans un
parcours de rachat.
Nos deux auteurs contemporains se sont
emparés de plusieurs motifs de ce compte
à la fois romantique et réaliste, sans
pour autant endosser la critique de la
révolution industrielle et de l'économie
libérale qu'il exprimait déjà et qui
motiva en 1932 une adaptation
radiophonique par Walter Benjamin, puis
en 1950 une adaptation cinématographique
est allemande par Paul Veroven.
Dans l'opéra, Peter est en proie un
intense mal-être que sa fiance Clara ne
peut apaiser. Il se convainc lui faut se
débarrasser de son cœur. Né un dimanche
et porteur d'une marque mystérieuse, il
ignore qu'il a été dès sa naissance
promis au sacrifice par sa mère.
Celle-ci est la proie de deux puissances
occultes, le démon Ael et la déesse
Annubis. Elle va comprendre mais trop
tard qu'en se faisant le jouet d'une
sanglante tradition, elle a forgé le
malheur de son fils. Cette fable
énigmatique dont la poésie est tissée
d'éléments du livre des morts des
anciens égyptiens et de l'Ancien
Testament, se veut hypnotique et
suggestive tel un cauchemar sonore Dixit
Pincher. Le compositeur explore avec
enthousiasme tous les possibles de
l'expression vocale, de la langue parlée
du démon Azael à la virtuosité de
soprano colorato de Clara en passant par
la large palette du bariton interprète
de Peter. L'orchestre est tour à tour
évocateur et révélateur avec ses
nombreux motifs sonores et ses quatre
interludes qualifiés de vald musique
musique de la forêt qui sont
caractéristiques d'un opéra féérique
allemand. L'expression est de Mathias
Pincher. Que représente cette forêt ?
Que représentent ces divinités issues de
traditions différentes ? Que représente
le couple central formé par Péteur et sa
mère ? De quoi l'œuvre est-elle la
parabole ? peut-être du rôle écrasant
dans la vie humaine, de la vulnérabilité
et des croyances,
peut-être de notre rapport à la nature
entre aliénation et mysticisme.
Délibérément ouvert aux interprétations,
nuit sans obe s'adresse au sens et aux
sensibilités.
Mondialement connu pour son riche
répertoire de Carmen appeléas et Méisand
en passant par les condofman et tant
d'autres titres, l'opéra comique est une
scène de création depuis 311 ans,
commandant et programmant aujourd'hui au
moins un opéra contemporain par saison.
Par de nouvelles esthétiques, de
nouveaux langages, de nouveaux récits,
la forme de l'opéra ne cesse d'y
retrouver vigueur et pertinence et d'y
faire raisonner ensemble questionnements
actuels et rêves atemporels. Sur la
scène et dans la fausse de l'opéra
comique, l'imagination a libre cours.