Rencontre avec Matthias Pintscher et Daniel Arkadij-Gerzenberg | Nuit sans aube

Contexte

Dans cette rencontre, Matthias Pintscher et Daniel Arkadij Gerzenberg reviennent sur la genèse de Nuit sans aube : le surgissement d’un souvenir d’enfance, l’appel de la forêt — « cathédrale naturelle » faite de mystère, de silence et de forces spirituelles — puis un travail d’écriture mené en « ping-pong » entre musique et langage. Ensemble, ils cherchent une forme qui ne prescrit pas, mais qui laisse à la voix, aux atmosphères et aux émotions l’espace singulier que l’opéra, seul, peut déployer.

Transcription textuelle

[Parole]

Pour moi, la forêt est un lieu de nature, de liberté, d’écoute — ce qui en fait un lieu de mystère, de mysticisme et de poésie. La forêt est en fait une cathédrale naturelle, très complexe dans toutes les sensations que nous lui associons : bien sûr, les contes de fées, mais aussi les histoires d’horreur, la purification, le silence chargé d’énergie. La forêt est un lieu spirituel.

Je pense que beaucoup de choses se sont réunies. Une promenade dans les bois de la Forêt-Noire, il y a près de six ans : nous étions à Donaueschingen pour le festival de musique avec l’Ensemble Intercontemporain. J’avais une demi-journée de libre ; je suis allé me promener dans la forêt et, tout à coup, tant de souvenirs d’enfance me sont revenus à propos de ce conte de fées, Le Cœur froid de Wilhelm Hauff, que j’avais déjà écouté des centaines de fois sur une cassette quand j’avais 5 ou 6 ans, je crois.

Tout à coup, tous ces mots que l’on associe au fait d’être dans la forêt me sont revenus à l’esprit. Soudain, des sons ont commencé à résonner en moi, sachant que j’écrirais peut-être un opéra.

Nous nous sommes posé la question : qu’est-ce qui rend l’opéra unique ? Qu’est-ce que le drame musical peut exprimer, et que les séries télévisées ou Netflix ne peuvent pas ? Ce sont les émotions, et ce que la voix humaine peut transmettre.

Lorsque j’ai décidé d’écrire à nouveau un opéra — ce qui était un grand pas — je voulais absolument mettre l’accent sur les chanteurs, en tant qu’êtres humains exprimant leurs émotions.

Et en même temps, il s’agit essentiellement du motif tiré du conte du Cœur froid : un échange de cœur, où le cœur humain vivant est remplacé par un cœur de pierre. Je pense que si nous considérons le cœur comme une métaphore, alors le cœur froid représente l’absence d’émotions et l’insensibilité. Et nous vivons déjà à une époque où nous sommes confrontés à une certaine forme de cruauté — et où l’on se demande pourquoi les gens sont peut-être prêts à vivre leurs émotions.

Je peux vraiment dire que cette pièce a été composée pour la Staatskapelle. Le son de cet orchestre est caractérisé par une grande richesse de couleurs : une musique spontanée, une reconnaissance spontanée d’une situation musicale, et cela avec une grande flexibilité — grâce à la vue d’ensemble dont dispose cet orchestre. Et bien sûr, ce son ancien et sombre… Oui : c’est un son allemand que cet orchestre représente. Pour moi, c’était peut-être aussi un retour dans l’espace germanophone.

Quelqu’un qui a quitté l’Allemagne à l’âge de 16 ou 17 ans, et qui a en fait toujours vécu dans une diaspora allemande, j’ai vécu cela et, tout à coup, tant de choses me sont revenues à l’esprit. Je n’ai pas enregistré de texte en allemand depuis longtemps : là, la boucle est bouclée.

Avant d’en arriver à ce texte, j’avais déjà écrit beaucoup d’autres textes, avec un autre type de langage. Et j’ai toujours demandé à Daniel : « Est-ce que cela déclenche quelque chose en toi, musicalement ? » Et Daniel a toujours dit : « Non, pas comme ça, pas comme ça. »

Et puis, à un moment donné, j’ai écrit ce texte, après avoir vu une lune au-dessus de Heidelberg, au-dessus de la colline dans la forêt. Un langage romantique ancien m’est venu à l’esprit — un langage que j’aimais déjà utiliser dans mes écrits auparavant, mais qui est devenu encore plus personnel aujourd’hui.

C’est, en quelque sorte, ce qui a donné le coup d’envoi à l’esthétique de la pièce. Donc, en principe, j’ai trouvé l’esthétique dans le langage, qui trouve ensuite son chemin vers la musique.

Ce que je trouve génial dans le langage de Daniel, mais aussi dans tout le processus de notre collaboration, c’est que Daniel — qui est lui-même un musicien fantastique — sait que la musique a besoin d’espace. Et il y a tout simplement ce ping-pong auquel nous avons pu jouer pendant toute une année, pendant laquelle nous avons travaillé sur les paroles.

Cela a libéré tellement d’émotions. Et j’ai trouvé que, pour la première fois de ma vie de compositeur, je me rapprochais vraiment de ce que je voulais vraiment faire.

Un nouveau couple de rêve après Strauss et Hofmannsthal. Maintenant, nous sommes là.